半年前，本公众号开了个大坑——音乐漫谈，旨在向大家讲述一些关于古典音乐（泛古典）前世今生的故事。

然后，当我们老大在写完第一期后却发现——这个坑实在太深了，他平时事务繁多，根本就没时间去填坑。

于是，某一天，他把我叫到身边，语重心长的说：

年轻人，这个光荣而艰巨的任务就交给你了。

即日起，音乐漫谈栏目重新启动。

我们已经讲过了古希腊与古罗马的音乐，也顺便介绍了一些那个时期的乐器以及表演形式。

然而，因为年代过于久远，即使在考古中发现了一些记载和乐器遗物，却并没有留下任何记录形式的乐谱。

也就是说，我们只能凭想象去臆测，却无法知晓真实的古希腊音乐，古罗马音乐是啥样的。

事实上，我们与古罗马晚期音乐所能找到的仅存的联系，就是基督教的圣歌。

公元313年，在“米兰赦令”颁布下，基督教可以合法公开后便被大力宣传，而咏唱圣歌一直是基督教崇拜的重心。

西方基督教音乐文化因此拉开了历史的帷幕，西方音乐也从此走上了漫长的发展道路。

而圣歌便是那个时期的音乐形式，不过在有系统的记谱法问世之前，僧侣们唱诵的圣歌全是靠背诵而来——数百年来，靠着老僧侣的口述，一代又一代传颂下来。

这些圣歌被认为是以6世纪末的教宗——格里高利一世（Gregory the Great）来命名，即格里高利圣咏（Gregorian Chant）。

尽管格里高利圣咏其实跟格里高利一世并没有什么关联。

格里高利圣咏有以下特征：

1.     无伴奏纯人声（男声）歌唱的单声部音乐形式；

2.     以拉丁文为歌词

3.     无明显节拍

4.     旋律平缓，以级进和三度进行为主，且音域控制在比较窄的范围内

5.     建立在自然音阶基础上（即低音Do到高音do）

确实在早期的圣歌中，僧侣们会吟唱婉转的乐段，没有伴奏，没有节奏，也没有和声，他们只是简单的在同一个声部上合唱。

这个形式持续了好几个世纪，直到公元8世纪左右，有僧侣在合唱团中加入了几名孩子，这对于圣歌音乐的直接影响是，它有了高低两个声部，听起来饱满多了。

这是因为孩子的声音音调相对于成年人要高很多，尽管他们唱的是相同的音，但其实孩子唱的音比成年人高了一个八度。

而后，这种“八度和声唱法”还是进一步激发了人们的创意。

假如演唱的高低两组相隔的不是八度，而是其它音呢？

对中世纪的音乐家而言，这个可能性一直未被开发，直到出现一位能人。

在我看来能想到这种天才方式的人骨子里一定是离经叛道的，这对于一直沐浴在教堂之下的僧侣们而言，实在是有点强人所难。反正，这位能人的名字肯定是查不到了，时间是9世纪之前的某个时候。

他在原来的格里高利圣咏上加入另一个音程不远的平行音符，通常比主音高五度。

我们上期有说过毕达哥拉斯的和谐论，四，五，八度都是和谐的音程，因此，它们听起来也有一种自然的和谐感。

中世纪音乐家把两音平行的技巧称为“奥尔加农（Organum）”，因为它听起来像管风琴（Organ）的音色，所以就顺手取了这个名称。

奥尔加农在欧洲大受欢迎。在9世纪欧洲，几乎在每间寺院都能听到它。

尽管新加入的乐段不是独立的，只是与原乐段一一对应（解释一下，新加入的乐段单独拿出来听也是一个完整的格里高利圣歌，只是它比原来的那首音调上高了一些），但在当时，这无疑是一场听觉大爆炸。

这是关于“和声”的首次实验（和声是指两个或更多的音同时发声）。

之后，新的创意出现了——这次做的更厉害，不再是加入平行的音符，而是加入一个持续不动的音，在这种形式的“奥尔加农”里，会有一名歌手一直唱同一个音符，不过对歌手来说太无聊了，所以也常用乐器替代，像是管风琴或是到现在已经几乎被人遗忘的乐器，比如索尔特里琴，手摇风琴等。

他们甚至给这个延续音符取了名字——持续低音（Drone）。

不过在我看来，其实乐器持续演奏同一个音符也挺无聊的，不信你看憨豆先生。

视频地址：https://v.qq.com/x/page/s0532snisoc.html

时光飞逝，9世纪，新的极具实验冒险精神的音乐家出现了。

这次，她的名字被流传下来了——来自君士坦丁堡的音乐家——卡西亚（Kassia）。

她把平行奥尔加农和持续低音奥尔加农搭配起来，实现了两种风格音乐的混搭，以简单又多变的和声，用独特的方式混合在一起，产生了引人入胜的效果。

而这些以单音圣歌为主新增的音乐效果，已经十分接近今日所称的“和声”，这是中世纪音乐家前辈们在临近公元1000年前跨出的第一大步。

而另一个改变音乐历史的重大事件，就是发明出一套可靠且通用的记谱方法。

早在公元650到1000年间，通常一座教堂的圣歌标准曲目就有150首赞美诗篇，而放在歌者们面前的，只有一种小巧的圣歌记谱方式，这被称为“纽姆记谱法”。

在拉丁文歌词的上方，有一些弯弯扭扭的符号，用来对僧侣们唱诵时的发音以及对应音符上行或者下行的提示。

我们前文提到，圣歌是靠僧侣们口述传承的，因此这个记谱方式其实本质是记忆力的漫游，只是用来提醒歌者如何演唱已知的曲子，却无法借由视谱学习新曲子。

直到大约公元1000年，意大利僧侣奎多·阿雷佐（Guido of Arezzo）花了一辈子的时间，终于发明出一套对西方音乐至关重要的记谱方式——四线谱。

这位修道士在阿雷佐大教堂的工作是训练年轻的圣歌合唱团，而据他估计，如果用鹦鹉学说话的方式教他们所有的圣歌曲目，大约至少需要十年的时间。

为了省时省力，他发明出这样一套工具——他将圣歌旋律的每个音以黑点作为辨识记号（音符），在谱表上画四条直线，从上往下数第二条线为基准音，然后将黑点标记在四条直线不同的位置，以代表不同的音高。

尽管表达能力有限，方式也过于简单，不过，这已经非常接近我们现代的五线谱了。

自此，如果将人类漫长的文明中音乐的发展比作建造起一栋建筑的话，那么，它现在已经打好了地基。

如果音阶是砖瓦，旋律和曲调就是将砖瓦逐渐堆砌的过程，而乐谱让人们有了将旋律记录下来的可能——它就是将建筑变得更加牢固安稳的水泥浆。

接下来，人们又将用什么为这座音乐的殿堂添砖加瓦呢？

让我们拭目以待吧。